文艺复兴

一.「The Madonna Of The Meadow」《草地上的聖母》- Rapheal（拉斐爾）1505年

拉斐爾在《草地上的聖母》是如何運用色彩形成光線效果的，這幅畫彷彿一個精緻的發光盒，從內向外在發光。

馬修·柯林斯通過講述三個藝術家，來反映畫中的三個角色，而不出所料，他要講述的正是文藝復興三傑。

拉斐爾的《草地上的聖母》和文藝復興以往的作品不同，他不僅僅只是將聖經裡的故事變成生硬的畫作，而是第一次把人物刻畫的有血有肉。但拉斐爾其實並不是一開始就是這樣的，在他的青年時期，他的風格是15世紀的傳統風格，這種誕生自義大利中部托斯卡納的風格比他早了大概八十年，而「文藝復興」正是這種畫風的回歸。至於拉斐爾的畫生動之處，就在於他運用了大量的技法。

拉斐爾的自畫像

A.虛實對比

然後畫面切到了拉斐爾的自畫像，闡述了他对于嘴唇和头发垂下的形状的准确描绘以及對於帽子寥寥數筆的勾勒，正是這樣的虛實對比，才讓畫面在真實和虛幻中遊走。回到《草地上的聖母》，迷一般的光線感，豐富的色彩造成了絢麗感，而領口，孩子頭頂以及袖口的金色曲線，這樣的發光細節更是和光線交相輝映。

《草地上的聖母》黑白

B.顏色振動

拉斐爾發明了“顏色振動”，在《草地上的聖母》中大量使用這樣的技法。草地的亮度很低，但飽和度極高，棕綠色調給畫面的其他元素帶來了動感。藍色袍子的邊緣混入黃色，紅色衣服的邊緣又振動了草綠，而正是這樣的技巧使得畫面和諧而相互關聯著。配色也是帶來真實感的一個重要原因。在這裡紀錄片將《草地上的聖母》先變成黑白，然後只加上藍色，神奇的事情發生了：藍色不僅僅是一片平鋪的藍，而是有著明暗色調就像素描一樣的藍。再逐步加上紅色、草綠色...你會發現，草地的陰影會有衣服的紅色，而每個地方會出現什麼顏色也絕非是巧合，而是一些互補色。

拉斐爾並非是看見了這樣的場景然後真實的做紀錄，而是虛構了這樣的場景。

C.明暗對比

畫面的遠處有一個小城鎮，“憑藉著對於同一顏色的明暗結合使用，就可以創作出逼真的三維效果”，BBC裡這麼講述到。雖然在畫面中它只佔據了一個小角落，但是卻使得整幅畫變得極其逼真。拉斐爾的厲害之處就在於，他並不具狀地將實在看見的每一個細節都保留，這樣的取捨是高超的，寥寥幾筆即成佳作。要做到這樣對於前人技巧的改進，是需要去思考所見的。

D.主次對比

細節處有極細的線條，而拉斐爾又以非常粗的線條勾勒出其他的部分；每個形狀都有邊緣的陰影和中心的高光，立體感非常強。

聖母是通往天堂的大門。

說完以上的技法之外，我們再回歸拉斐爾的生平：拉斐爾出生在Raphael Santi，一生放縱淫慾，他的父親是宮廷畫家，堡壘在義大利中部城市Urbino，這裡聚集了高雅藝術的富裕的人，他在這樣的環境裡變得迷人，學習繪畫，模仿父親的作品。他的父親Giovanni Santi歌頌了偉大藝術，讓我們知道了這樣逼真傳頌宗教的最初並不是來自於義大利，而是來自荷蘭和比利時，當時的尼德蘭（Netherlands）。Giovanni Santi尤其提到了楊·凡·艾克（Jan van Eyck）。所以，尼德蘭藝術影響了《草地上的聖母》，以及更多。

北方藝術中，宗教裡那些系統化的人變得更有生氣，細緻；而在義大利，則是以極其誇張的人體的完美性來體現。而《草地上的聖母》將不同形式的美集合在了一起：經典雕塑中人的感覺，雕塑的完美性；尼德蘭藝術的光線和細節；中世紀藝術的簡約之美。

The clear geometric shape that Raphael's holy group is ordered into is a triangle.

拉斐爾的神聖幾何組最終形成了明確的三角形，圖畫中所有地方主要形狀都是精心設計的，沒有重複。

拉斐爾可以說是師承佩路基諾（Perugino）。在佩路基諾，也就是拉斐爾的“師父”的畫作中，人物愉悅的情感是通過個體表現的，他們排列成行，單獨拿出來都是美麗的，但是整體卻是分離的；而拉斐爾在佩路基諾因為不夠精力繪製那麼多畫作而接手時，不但繼承了他的風格，吸收了他的優點將人物的型態神情都原模原樣的學來了，並且在此之外他的畫作人物之間有著整體流傳的構形，連貫的韻律，在這樣的複雜人物的整合中，就不僅僅是佩路基諾畫作中那樣互相脫離的神情愉悅了，而是由衷的愉悅。

在佩路基諾身邊待了兩年後，他聽說里昂納多和米開朗琪羅在佛羅倫薩那獲得了藝術上的成功，於是它決定去那成為和他們一樣成功的人。他帶著一封推薦信來到了佛羅倫薩，此時的他21歲，比達芬奇年輕30歲，比米開朗琪羅年輕8歲。

題外話，米開朗琪羅真的是一個大暴脾氣，既不喜歡達芬奇也和拉斐爾處的非常不愉快。

如果說米開朗基羅和里昂納多的私人關係是巨大的失敗，那藝術上來說它鑄造了拉斐爾視覺創意的火爐。

聖母與聖子圖三個人都有創造過，是米開朗基羅看見了達芬奇的畫作於是做出的雕塑，後來拉斐爾也畫了一系列二十幅的聖母聖子草稿，其中一幅就是這最為著名的《草地上的聖母》。但是這也是冥冥之中的一種大師緣分和對峙！

二.「The Garden Of Earthly Delights」《塵世樂園》-Bosch（波希）

波希在《塵世樂園》中對符號的使用，會徹底改變你對那些熟悉事物的認識。

三.「Baptism」《洗禮》- Francesca（弗朗西斯卡）

弗朗西斯卡在《洗禮》中如何創造空間，並為空間賦予了大量情感，儘管畫中的人物並未真正表露表情。

第一集（关于拉斐尔） 拉斐尔的画技来自于从小身为公爵画师父亲的熏陶，形成于综合了米开朗基罗和达芬奇的明亮和流畅。感觉拉斐尔是一个始终充满野心的人，同时又拥有极高的天赋和优秀的处事，可以杂糅各种所长最终青出于蓝而胜于蓝，还能得到各种势力的喜爱，可想而知拉斐尔非同小可。也许那个时期画画对大多数画家来说只是一种谋生的手段，或者是一种跻身上流社会的方式，但是他们可能会想不到自己能够因此成为存留在历史的存在。 第二集（关于波希） 我始终认为艺术作品的完成是在观赏者看到作品本身的那一刻，关于尘世乐园，讲解者告诉观众可以从多个视角来阐释，或许它可以被现代人认为是一种超现实主义，也可以被国王认为是对人性本质的揭露和警告，又或许可以被教会认为是对宗教的劝诫，而同时从另外一个角度来说，他又可以是作者内心对自然和身边之物的观照。庆幸历史（宗教改革）没让瑰宝被火炬烧之一去。

第三集（关于皮耶尔）

把皮耶尔的《基督受洗》设为手机壁纸，完全能感受到那种将几何融入艺术的美感，“三位一体”，恰到好处的分布和色彩，以及拱形和透视的运用，皮耶尔耗费17年（好像是）才完成的画作，这样看来，现代人真的太浮躁了啊。我完全可以怀疑，皮耶尔的艺术成就绝对离不开他自身的热爱，真的有人在那个时代将数学融入画画，从来不雇佣助理，自己精雕细琢每一处🥺很爱讲解者最后说的那一段话，文艺复兴时期的艺术美不是因为上帝、政治、社会，而因画作本身而美。有人曾经说过“艺术就是过度解读”，但是文艺复兴时期的艺术仅仅只是因为美。

因为这个纪录片所以好想去佛罗伦萨看看啊，以后，一定要去一次！

《尘世乐园》 1505年

德•贝亚蒂曾在游记中有这样的描写：

此外，还有各种幻想画，上面画着大海、天空、森林和原野以及许多其他东西；一些生物正从贝壳里出来，另一些生物在清除天鹤；白种和黑种的男人、女人呈现出种种姿态；各种鸟兽显得自然逼真。这一切是如此悦目和奇异，简直无法向没有见过它们的人描述清楚。

初看博施的作品，很容易将其归为超现实主义，但其创作年代确实16世纪初，文艺复兴时代。彼时对艺术的革新是艺术家们对现实世界的探索，而博施的作品是在发展起来的写实成就转而描绘人的眼睛从未看见过的实物进行描绘，奇思妙想的混搭潮人。

博施本人的日常生活几乎是不为人们所清楚的，就如这幅《尘世乐园》一般，没有任何作者本人的介绍，也没有人记录他的言行。西班牙国王菲利普二世特别喜欢这位艺术家，因为它非常关心人的邪恶。博施将人们对地狱的恐惧转化为可见的具象，与写实作风不同，与人们向往的灵魂归宿更加相悖，所以在纪录片第二集中，特意强调了“这是宗教画而非迷幻药的产物”。虽然离经叛道，但这并不难解释

文艺复兴的精神就是时尚潮流的发源地，文艺复兴的全部内容本身就在于对自由的思考，文艺复兴的作品则折射出了这种自由的概念。

《尘世乐园》左幅，伊甸园

三联画的左幅为伊甸园中耶稣为亚当和夏娃主持婚礼的画面，同时也出现了很多生物已经用生物构成的和谐曲线。水池中爬出很多邪恶生物侵蚀伊甸园。

《尘世乐园》中幅，人间乐园

三联画中幅人间乐园是出乎意料的存在，让人不自觉地想看细节，而随着对细节的查看会发现画面变得狰狞，而狰狞之处融合熟悉的生活中，让人身临其境。画面到处是裸体，生活在一个充满异果的世界。

多处画面将人物与动物、果子的比例倒置。猫头鹰遍布，注视着人类社会。在文艺复兴时的猫头鹰并不是智慧的代表，它们在夜间行动，代表了负面的意义，即忧虑与罪恶。男女们拥抱即指代性交，吃着水果的人们指代人们无节制的欲望。

人类在善恶并存的人间乐园享受欢愉，追逐欲望，而猫头鹰注视着一切罪恶。

大地有眼，树木有耳

《尘世乐园》右幅，地狱

画面充满黑暗、火光、杀戮，人们惊恐万分的终极炼狱。画面中的乐器变成了刑法，载人的空壳树人冷眼看着地狱，眼神闪烁残忍之光的猫头鹰吞噬着人类，右下角穿戴修女衣饰的猪逼人签下条约，画面中的这些符号可以推断这幅“地狱”对奢靡之音侵蚀、腐败社会的道德警告。

《尘世乐园》外部

上帝创造世界。

善恶是否可以共存

《尘世乐园》的三幅画面中，没有一幅是有绝对的善与恶，而是描绘了生命是如何走向万劫不复。即时是天堂的美好，也有邪恶的生灵侵蚀。人间乐园中，画面上方男人们骑着各种动物逆时针转圈，中间的女人们在水池嬉戏，这是人们的人性使然，这份本能被上帝统治不够，被恶魔统治得更多。左边的耶稣看着充满了罪恶的人类神情哀伤，与右幅树人的冷眼旁观形成对比，地狱不再是寻常地狱，而成为了一种理性标识。天堂和地狱不再是人的最终归宿，而成为内心的永恒存在，正式自我的道德问题。

同样善恶共存的画面也存在于博施的另几幅画中，如《贤士朝圣》、《干草马车》等。自此便打开了阴暗面这一新流派。

《贤士朝圣》

《干草马车》

博施的画面中有很多邪恶丑陋的细节描绘，但这不影响绘画过程中产生的美。他在刻画邪恶时融入富有美感的符号，当然也得益于对自然的仔细观察，以及对人心恐惧之物的仔细洞察。艺术家在这一时期有机会将自己的理解与想象通过作品表达，所以现代人的理解与彼时的出入是较大的。当面对《尘世乐园》时，我们很自然地联系到超现实主义，而彼时的人们看到这样的作品时，内心更多的是对道德的思考。

西班牙国王菲利普二世将《尘世乐园》当作是一种寓言、一种道德警告，在宗教整顿动荡的时代，这一幅画被完整保存，警告世人恪守道德，减少贪婪欲望，减少社会奢靡腐烂之气，大地有眼树木有耳，心中的罪恶会被时刻注视，最终走向毁灭。

亨德里克的客人们以为会有最后的宣判日，殊不知所有宣判皆在你自己心中，要从心中寻找自己到底是什么。

重点揭示3幅文艺复兴名作之美的纪录片，分析其中高超的技法和隐喻，挺到位的。

每天摆上一支玫瑰花在Raphael墓前，祭奠天才，太浪漫了。

当年第一眼看《The Garden of Early Delights》的人肯定十分震惊吧，这么惊世骇俗。

基督教的知识还是得多补，不然看不懂里面画的三位一体（Father,Son,Holy Spirit)。

下面是每集重点介绍画作及一些技法或特点（用逗号隔开）

1《The Madonna of Meadow》by Raphael，熟练透视，三角构图，色彩振动，集Leonardo的透视和Michelangelo提亮技法所长。

2《The Garden of Early Delights》by Bosch，符号隐喻，有序构图，丰富想象力和敏锐观察力。

3《The Baptism of Christ》by Piero，较先使用透视（影响了Leonardo等大师），拱形构图，蛋彩（用蛋清作颜料混合剂)，笔触细腻。

非常值得一看，制作精良且将画作进行了深入的分析，本片可作为《艺术的故事》的延伸，影片能够通过镜头补充书中无法给出的画作全局、细节以及其所处展示环境的三维空间感。

每集详细解读一幅画，还介绍了这幅画作的可能灵感来源、画家生平事迹、画家作品对同时代及后世的影响。最精彩的地方无疑是对画作的解读，虽然存在一定主观性（比如，相比于米开朗基罗更推崇拉斐尔），但是很少看到一部纪录片能够如此深入地分析作品，而不依靠画家的逸事来吸睛。

对三幅作品的选择也很高明，第一集选择了意大利画家拉斐尔洋溢着理想主义美感的《草地上的圣母》，第二集则介绍了尼德兰画家波希颇有些超现实味道以及展现人性阴暗面的《尘世乐园》，两幅作品均被创作于1505年，由一南一北两位名家所作，画面氛围也是一明朗一阴郁，不知道是不是节目组有意为之；第三集则选择了展现文艺复兴时期透视法以及几何美的《基督受洗礼》，其创作者弗朗切斯卡影响了文艺复兴三杰。

文艺复兴时期绘画虽然力求描摹自然，但最终呈现出来的“自然”实际上是颇具古希腊罗马式的理想主义美感，使得观者欣赏时身处亦真亦幻的视觉享受之中；宗教题材仍然是重头戏；尽管拉斐尔对和谐色彩的追求、波希对绘画符号的探索、弗朗切斯卡在透视法与几何学上造诣不可谓不颠峰造极，但是在这些伟大画家的作品里，仍能找到源自中世纪甚至更早期时期绘画的影响。