野小子们

　　看《电影手册》推荐的电影要做好两种思想准备，要么令人昏昏欲睡，要么是匪夷所思的神作。本片属后者。

　　一群桀骜不驯的野小子，经过一段风雨旅程来到一个温柔乡小岛，纷纷阳具脱落变成了女孩。这样的情节是怎么想像出来的呢？它到底是在隐喻什么呢？还是仅仅是后现代主义恶作剧？

　　看完全片我首先想到的都和电影无关。脑子里萦绕的反而是蔡徐坤、口红哥这些小鲜肉的形象。记得第一次被裴裴小姐安利蔡徐坤时，我不禁哑然失笑：像我这样一个看着阿兰·德龙、高仓健、姜文长大的所谓‘’直男“，你说你给我推荐一个毫无男子气的小孩儿有什么意义呢。审美固化不是一天完成的。但这就是时代吧。电影把传统男性气质的代表人设为一个老船长是很恰当的。所谓的”直男气质“：性格坚韧、皮肤粗糙、不修边幅、满嘴脏话......一定是和特定时代的特定职业有关吧。船长、牛仔、货车司机、建筑工人、赌场保镖诸如此类，在现在的影像作品中这样的形象越来越少了。取而代之的是公司白领、健身教练、美食专家、脱口秀主持人。对对，还有跑男们。生活方式的转型，也必然带来男子气质的改变吧。中性化之风其实是从麦克·杰克逊、木村拓哉那一代就开始的，不过那时可能还只是发达国家的专利，而现在，就算最有硬汉气质的小生，也带着几分斯文和秀美。比如彭于晏。

　　对于我，这是一部标准的艺术电影。肉体的变性在现实中当然没这么容易，但传统男性气概的消亡，恐怕已是不争之实。我不觉得这是一部需要精心揣测其隐喻内涵的象征主义电影。艺术家对时代有着异乎常人的敏感，在表达上天马行空，自说自话，奇特的想像叫人目瞪口呆。但又眼光犀利，表达准确，暗合世象人心。看过《玛·鲁特》、《皮囊之下》、《湖畔陌生人》那样的电影，对《电影手册》的口味，有时真是佩服得五体投地，你要自认是个文艺青年，千万别错过呀。

导演贝特朗·芒蒂格和扬·冈扎乐兹都是近年来国际上和法国国内很受人瞩目的新导演，芒蒂格的创作一直以先锋短片为主，只有《野小子们》和《超出梦境》是长片。长片的创作也不能削弱导演的先锋性，电影在影像语言上给了其他电影创作的一些启示。色彩运用和布景美术上，导演将每一帧画面当成纸张来绘画，其中使用了很多CG数字技术。音乐为影片的气质和意味增色不少，比如在四个少年杀死船长被重新重回岛上的那一场戏，场面调度和音乐真是相得益彰！完全表现了少年在压抑与反抗之间的冲突心理，非常具有美感。虽然影片的故事并不精妙，但是影片用叙事和影像探索了新的主题——性别结构，一群男孩杀死了女老师（女老师的女性身体并没有成功拯救男孩），接下来，男孩被男性船长规训（男性船长拒绝了自己逐渐变为女性），并且对男性的性力量产生了深深的崇拜，接着产生夺取船长地位的欲望。船长带男孩们来到神秘小岛，在岛上，各种形式的性都是被充分满足的，船长给其他们带来的性压迫得到了缓解。在杀死船长后的狂欢中，他们以为自己得到了自由，但是不久他们又遇到了另一位“船长”（既是男性也是女性的博士）

影片一开始就是一段黑白影像，一度让我怀疑是不是下错电影了。接着又是一段色彩和配乐类似《发条橙》般既视感的戏，更加让我怀疑，这么复古，确定是2018年的电影？电影故事讲5个养尊处优的富家小子，他们平时目中无人，坏事做尽。电影采用了倒叙的方式，先向观众呈现了一段非常诡异的孤岛戏，接着向观众讲述这段孤岛戏的来龙去脉。事情起因是5个野小子在文学老师指导下，练习莎翁的戏剧，一边排练一边喝酒。在酒精的作用下，他们丧失理智，一起奸污了老师。为了追求兴奋，他们把老师绑在马上，没料到的是马惊慌掉入悬崖。事后面对审判时，5个人串通好说谎，把这件坏透顶的事，变成这一切的发生都是老师的错。而法律苦于没有证据，不能制裁他们。5个孩子的家长对于这几个野性的孩子也是头疼，觉得该好好管教一下，于是请来一个叫“船长”的荷兰人来改造这5个孩子。船长确实有一套，把5个野小子带到海上折磨，确实把他们的野性驯化了。但真正的高潮戏并不是野孩子被驯服，而是船停靠在的那座孤岛。岛上所发生的事，真是脑洞大开，而且充满诡异。岛上有外形像男性生殖器能喷射果汁的树，还有配合人类交媾的植物。这都不算啥，电影的5个主角野小子，在岛上全部变成了女人，才是让观众吃惊的地方——《野小子们》

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你不可否认有隐喻性别政治但也不光讲这个很实验的现实主义 首尾呼应开头结尾都提到了文明两字 从镜头和场景里快要溢出来的迷幻 由各个晦涩又裸露的细节堆砌起来想要达到目的表明主体 很大胆 开片二十来分钟样子 我看到的只是欲望罪恶人性能怎样被开发以及联想恶意是无法摧毁的 于是我们只有充分利用另一种恶意 去制服抗衡直到两者消亡 片子又进展点会看到反自然主义的出现 这时会觉得是一点点引诱你 对性别的进阶蜕变的一系列描述和辩解过程 像撕开一层层外衣每层被撕开的不一样 确实惊喜影片结束才发现每层主导却是文明与阉割 奴隶化的本能与人性 回想情节扣的很紧正因如此所以太碎片化了 以内容来讲节奏相对于杂 倒不乱因为太隐晦了

贝特朗·芒蒂格和扬·冈扎乐兹领衔的《火焰宣言》派，是一种在影评人和电影人合谋之下产生的“法国新电影”。它的本质是历史浪潮的回响，是在传统中寻找“革命”。

贝特朗在技术层面博采众长、集先辈之所成，用铅黄的画面和B级片的类型外壳，讲了一个现代性甚至未来指向的关于“性别政治”议题的成人童话。但影片中用于描绘“性别转换”的手段，其源头却是在模仿古老的献祭仪式，并同时在影像中声称“未来属于女巫”。“女巫”的出现，一下子将人们的记忆带到了中世纪甚至更早以前，这样的句法无疑是怀旧而复古的。

在胶片的迭化之间，贝特朗感怀着默片、表现主义和超现实主义的伤逝，那语气看似激进、暴躁，带着要推翻一切的不可置否，其实最后落下的是一声叹息，是在海岛滩涂的潮间带里大口喘息的牡蛎。

从这点来看，盖伊·马丁更具有一种超前性，同时更加淡然且从容，冰天雪地之下的加拿大人早已过了焦虑感伤的阶段，而是兢兢业业地投入一部又一部的具体实践，以延长或者放缓某种传统在现代化中的消亡速度。从《我的温尼伯湖》到《禁忌房间》再到《降神会》，盖伊·马丁模糊了类型，摆脱了叙事，跨越着媒介，最后在网络空间复兴着胶片传统。尤其是《降神会》，一项以阅后即焚的方式进行的网页交互影像实验，每次点击都会将盖伊前作《禁忌房间》的素材进行随意拼贴，组合成一段15分钟的片子，每次生成的都是唯一的版本，放映结束即消失重组。盖伊和约翰逊兄弟对于默片时代影片的逐渐消逝耿耿于怀，那就用“所有人都能成名15分钟”的方式在信息时代去捕捉稍纵即逝吧。

人们在观看“火焰派”的作品之前，往往会带著常规的渴望看到一个好故事的思维定势。但是当你深入到贝特朗和冈扎乐兹的影像世界中去时，你会发现，有一部分电影，它的目的并不在于老老实实地去讲好一个故事，它的意旨可能更加形而上，是关于影像艺术本身的一种探讨和尝试。在现在这个时代，“是否讲了一个好故事”正越来越成为人们评价一部电影的首要标淮，这种评价体系的迷信是需要被警惕的，没有任何一个标淮是永远最为重要的。看待任何一部作品，都应该放在一个纵向的影史发展序列的角度，以及一个横向的同时代风潮的切面情况角度。这裡的“风潮”是一个综合的概念，即包括产业政策与行业风向，也包括创作者个人的创作倾向和成长轨迹。

因为电影是不可自证的，它无法自己告诉你它的样貌体态是如何诞生演化的，它也无法自证表达方式的对错，因为在各式的影像文本中本就不存在绝对的对错。所以，电影必须通过一次次实践来反浪潮，通过“自反”来互证。于是，关于电影的电影，或者说讨论电影本体的电影，才更难能可贵；在这时候，讲一个好故事远不如直接纯粹地去探索一个电影问题来得有意思。

因此，在一八一九的岁末年初，大陆的观众看到了《摄影机不要停》也看到了《刺心》《野小子们》，我们的第一直觉告诉我们：《摄影机不要停》很可爱，《野小子们》很可敬。两部都是关于电影的电影，前者在多重摄影机的套层结构里告诉观众电影的不可自证性，必须通过不断加入的“他者”来旁观、佐证；后者在铅黄胶片的迭化之中指向未来，告诉人们电影自救和保鲜的唯一方式就是逆着时代行走，可在过往浪潮中淘金，也可在老枝上育新芽。

《火焰宣言》

by 贝特朗·芒蒂格、扬·冈扎乐兹

我们追求这样一种电影，它

跨越人，情感，时间

跨越眼睛与肉体

跨越欲望，混乱

跨越一片红

跨越成见

跨越屏幕

跨越星星

跨域女演员，男演员，界限与性别

跨越而不回头

跨越恐惧与伤疤

跨越希望

跨越光芒与烟火

我们追求一种着火的电影

一种电影，为了流汗的幻想者，为了哭泣的怪物，为了发烫的孩童

一种电影，纵情消耗，毫无保留

我们邀请所有着火的心脏在热炭上吹风

这些话语是我们创作电影共同的意志

梦它，想它，渴望它，揭示它

不是教条，只是夜里的一星火，是现在的我们

有人说，在冬天寒冷的夜晚，我们的电影在森林里重聚，

在一起，它们燃起一把火跳动到拂晓，烧着我们的心

芒帝格的这部影片与库布里克的《发条橙子》在青年集体暴力施加方面如出一辙。但后者是男性性别本身内被社会强制性的规范到正轨，野小子们则是性别置换，将狂野，暴力，无视法律法规，丧失人性的男孩置换为女性的身体，失去了代表男性身份与力量的阳具，出现代表女性身份的乳房与性器官。提出了一个最核心的问题，是否是由于性别导致了暴力，在男孩们变为女性身体之后，他们不再具有暴力的能力，失去了代表力量的阳物。整部影片充满了隐喻与象征等符号化的代表物，男孩们在接受惩罚时吃的外表类似于女性外阴带毛发的水果，在流落荒岛后，荒岛中所有具有代表性的性别符号，男性阳具中喷出的白色汁液，男孩们在到达荒岛后成为女性，代表他们的男性身份被彻底消解，但暴力真的在他们错位的性别中消失了吗？并没有，就算他们变身为女性，女性的他们仍然杀死了走上小岛的水手们，影片没有呈现出水手的是非善恶便被另外四个野小子开枪杀死了，所以，他们的暴力本性并没有因为性别身份的变换而消失。因此，性别并不是导致暴力与人性泯灭的原罪。

再来说影片形式与内容，整体的灰白影像，不平衡构图，晃动的镜头，故事呈现其次，更主要的是为了呈现出梦境幻想般的谜域，到底是虚是实，是人间还是地狱，充满了宗教的隐喻与迷幻色彩，有一种二十世纪二十年的先锋电影的形式，实验意味极其强烈，为文艺色情片开创了另一视域，色情符号也能以学院文艺片的形式呈现出来。

最后，影片重形式轻内容，整体宗教化的仪式感很强烈，适合的观众也只是一小部分的知识精英，将普通大众与精英之间又划分了一道界限森严的鸿沟，普通观众是欣赏不来这部充满了导演个人化的梦境隐喻的精英电影的。但对于学院派文艺电影的发展来说，是在上世纪先锋电影的又一次飞跃。

看到有长评对影片的“低劣”进行鞭笞，不由难受，但也不愿争论。转一篇导演拍此片的灵感来源，可能让看了不明就里的伙伴多一点对影片的理解吧……

标题：Bertrand Mandico's Inspirations for "The Wild Boys"

链接//mubi.com/notebook/posts/bertrand-mandico-s-inspirations-for-the-wild-boys?dt_dapp=1

From Kenneth Anger and “Lord of the Flies” to Terence Stamp and David Bowie, an annotated list of inspirations for Mandico’s debut.

14 SEP 2018

Bertrand Mandico's The Wild Boys (2017), which is receiving an exclusive global online premiere on MUBI, is showing September 14 – October 14, 2018 as a Special Discovery.

French director Bertrand Mandico shared with us the films he thought about before, during, and after making his feature debut, The Wild Boys:

ISLANDS

The Saga of Anatahan

Matango: Attack of the Mushroom People (Ishiro Honda, 1963): The island and its fauna and flora, the mushroom-men, the sinking. A sublime film.

Lord Jim (Richard Brooks, 1965): The tempest sequence in the opening and the cowardice of Lord Jim—an amazing film.

A High Wind in Jamaica (Alexander Mackendrick, 1965): For the confusion of the captain played by Antony Quinn, the phlegm of James Coburn and the beauty of his young crew.

The Sailor Who Fell from Grace with the Sea (Lewis John Carlino, 1976): For the erotic figure of the Captain (Kris Kristofferson) and its clique of violent boys.

Remorques (Jean Grémillon, 1941): A romantic and captivating film with sequences on the boat that were inspiring.

Horrors of Malformed Men (Teruo Ishii, 1969): Teruo Ishii is a filmmaker who troubles me and provokes me. By adapting Edogawa Rampo, he brings us into an organic and grotesque islander fantasy.

Apocalypse Now (Francis Ford Coppola, 1979): For the baroque trip in the jungle.

Sorcerer (William Friedkin, 1977): For the Gothic trip in the jungle.

Profound Desire of the Gods (Shohei Imamura, 1968): The masterpiece of Imamura, an esoteric and environmental fresco on an island. Old beliefs, cruelty, and modernity are confronted in a cloudy eroticism.

Burden of Dreams (Les Blank, 1982): In this making-of, the insane figure of Kinski in the jungle is even more worrying than Herzog. Shot with determination.

The Young Ones (Luis Buñuel, 1960): The only American film from Buñuel, the desire and the island.

Hell in the Pacific (John Boorman, 1968): The island again and again, but here the desire becomes an absurd fight.

Zombie (Lucio Fulci, 1979): For the surrealistic underwater scene, a shark bitten by a zombie, the blood and the lagoon.

Lord of the Flies (Peter Brook, 1963): Perfect adaptation, a matrix film for The Wild Boys.

The Saga of Anatahan (Josef von Sternberg, 1953): An islander film shot in studio, a lot of desire again, a queen and her hive.

Water Wrackets (Peter Greenaway, 1975): Shooting the water.

Young Aphrodites (Nikos Koundouros, 1963): Scenes on the beach, of youth, lost paradise.

EROTICISM

Querelle

The Beast (Walerian Borowczyk, 1975): Opening sequence with horses, the sex geyser of the beast.

Mandara (Akio Jissoji, 1971): A director that I love, wrongly forgotten. The scenes with the woman attacked on the beach are as violent, unbearable, modest as they are sublime.

Querelle (Rainer Werner Fassbinder 1982): Fassbinder and Genet meet again for a sexual and colorful film. There is a mention of Querelle in The Wild Boys.

Asparagus (Suzan Pitt, 1979): The flora sexualized.

Shivers (David Cronenberg, 1975): Cronenberg's film most influenced by Ballard/Burroughs. The virus doesn't turn you into a monster but into a pleasure-seeker.

Onibaba (Kaneto Shindo, 1964): The mask, the erotism and the tall grass.

STYLE

Fantastic Planet

Confessions of an Opium Eater (Albert Zugsmith, 1962): For the sequence of the captain (Vincent Price) under Opium… Sublime superimpositions.

Island of Lost Souls (Erle C. Kenton, 1932): Charles Laughton is already thinking of The Night of the Hunter when he plays Moreau in its white costume which contrast strongly with the studio's tropical night.

Mishima: A Life in Four Chapters (Paul Schrader, 1985): The construction of the film with its rupture of style which paradoxically forms a coherent style.

Fantastic Planet (René Laloux, 1973): For the sublime and free imagery.

Naked Pursuit (Toshio Okuwaki, 1969): A film that reminds me of the minimalist and radical apparatus Koji Wakamatsu. Here, a woman is followed by a man onto a beach of black sand, where from time to time the color erupts.

The Sea Wolf (Michael Curtiz, 1941): For its boat in a studio and its permanent fog.

A Midsummer Night's Dream (Max Reinhardt/William Dieterle, 1935): The usage of the star filter, the magical double exposure. The apparition of Kenneth Anger as a kid (at least that's what he says).

Hercules in the Haunted World (Mario Bava, 1961): The studio and its unrealistic colors pushed to the extreme, the organic caves and ultra props.

The Fog (John Carpenter, 1980): Bright eyes in the fog.

The Mad Masters (Jean Rouch, 1955): Its trances, as beautiful as they are worrying, influence the abandoning scenes in The Wild Boys.

Lola Montes (Max Ophüls, 1955): The inserted story in the memories, the masked groom, the dancing camera.

The Elephant Man (David Lynch, 1980): Absolute Black & White.

The Strange Vice of Mrs. Wardh (Sergio Martino, 1971): For the wonderful music of Nora Orlandi, the only woman who was making music in Italy. I use this original soundtrack in my film.

Macbeth (Roman Polanski, 1971): The incredible scenes of witches in what is, for me, the most beautiful adaptation of Macbeth in cinema.

Treasure Island (Raúl Ruiz, 1985): Visual inventions, surrealism, and absolute freedom.

MEN AND WOMEN

Billy Budd

Space Pirate Captain Harlock (Rintaro, 1978): A romantic animation series which I was fascinated by as a kid, particularly the figure of the sylvidres: Femmes fatales from space. Seeing them die in the episodes was heartbreaking for me.

Fighting Elegy (Seijun Suzuki, 1966): The Japanese uniform, the teenaged young boys, violent and clumsy.

Noroît (Jacques Rivette, 1976): Rivette and his female characters who plays pirates, free team and esoteric. It's a director whose freedom and love for his actresses inspires me.

Rumble Fish / The Outsiders (Francis Ford Coppola, 1983/83): Two brothers, films of romantic groups of men.

Billy Bud (Peter Ustinov, 1962): Terence Stamp, the angel-sailor.

Merry Christmas, Mr. Lawrence (Nagisa Oshima, 1983): David Bowie, the angel in uniform.

The Night Porter (Liliana Cavani, 1974): I don't like that film, but I like Bogarde and Rampling. And the troubling clothes and objectively beautiful Rampling: suspenders and cap.

The End of August at Hotel Ozone (Jean Schmidt, 1967): Group of girls in nature and survival…

TOTAL INSPIRATION

Scorpio Rising

Zero for Conduct / L’Atalante (Jean Vigo, 1933/34): The biggest director of desire, the pillow fight in Zero for Conduct, Père Jules and the crew in L’Atalante, the underwater scenes… All the shots are haunting me and inspire me.

Shadows of Forgotten Ancestors (Sergei Parajanov, 1964): Because like Vigo's films, it's a film which never stop nourishing me.

A Clockwork Orange (Stanley Kubrick, 1971): I've seen it again and again to embrace it and also get away from it.

Un chant d’amour (Jean Genet, 1950): The most beautiful French film.

Kenneth Anger: All his films

The Blood of a Poet (Jean Cocteau, 1932): Cocteau forever.