你逃我也逃

        在早期的默片时代，由于技术的限制，使得电影中的声音和画面无法同步，也正是这个原因，使得默片在缺乏声音的加入下，进入了另一条完全由画面主导叙事的道路，因此，当时很多导演和理论家都认为电影是一门纯粹的视觉艺术。尽管影片在电影院放映的时候，影院会为影片放映现成的音乐甚至后来会专门为影片创作乐曲，但是，在有声片出现之初，还是遭到了无数导演和理论家的反对和抵制。
        1926年的电影《唐璜》已经带有声音，不过这个声音只限于一些音乐。1927年10月，《爵士歌王》的出现才标志着电影史上第一部真正的有声片的诞生。电影中出现的人物对白使得当时观众为之倾倒，之后拍摄的《纽约之光》更是一部全对白的影片，虽然情节低俗，但是还是获得了巨大的成功。到了1929年底，几乎所有的美国城乡电影院都安装了有声装置。一时间，电影院的观众数量大为增加。虽然有声片给观众带来了一系列更为真实和确切的观影感受，但是，导演们也担心声音的出现会带来一个可怕的问题，即很多电影都是从文学或戏剧作品改编而来，这可能使文学和戏剧侵入到电影，用对话取代蒙太奇的表现，因此，爱森斯坦、普多夫金和阿历克山德罗夫在一份声明中提出了“声——画蒙太奇”的概念，即声音是蒙太奇的一个因素，是表达和解决复杂问题的一个不可避免的有效的途径。
        刘别谦的著名喜剧《to be or not to be》出品于1942年，这个时候声音在电影中的运用已经相当成熟了，声音已不再被当作影片的装饰，而是成为积极参与影片，揭示人物内心情感，丰富作品表现力的重要表达工具。这部电影实际上除去紧凑精彩的情节外，使其成功的很大功劳应该是它的台词以及音乐音响的出色运用。
        首先，我们来分析一下电影中的人物对白。早期的无声片中，由于声音的缺失，在一些万不得已的地方必须要用字幕来交代剧情，即使如此，电影的剧情也不能拍得过于复杂，否则会影响观众的理解，而字幕虽然可以解决一部分的问题，但却占用了影片的时间，打断了影片的画面节奏，影响叙事。因此，剧中对白的出现首先解决的就是关于剧情交代的问题。再者，演员在对白中的表情、音色、声调，都是展现人物性格、心理和情绪的重要工具。例如，影片中约瑟夫·杜拉经常会以“最伟大的波兰演员”自称，并且询问别人有没有听过他的名头，这里展现的就是他对于自己的表演极度自信；再比如影片中真正的艾哈特上校，他总是把自己犯的错误都强加在自己的下属身上，并且用“我还能相信谁”来开脱责任，每次看到他大叫下属的名字加上他吹胡子瞪眼的表情，观众就知道他在干什么了。所以，他的性格特征就是功劳让自己领着，过错让下级担着。最后，本片对白最重要的作用就是它潜在的丰富内涵。在影片中最为经典的就是《哈姆雷特》里的那句台词：“to be or not to be”,这是整部电影的名称，在剧中是男演员约瑟夫·杜拉经常要念到的台词，这句台词具有一种黑色幽默的手法在里头，比如第一次在剧场里约瑟夫一念到这句，就看到一个人站起来离开，当时的他表现出的是惊讶和不理解，之后的台词他有一些停顿试图引起离开那人的注意，并且，他的眼神一直跟随着那人的身影，自此，这句台词成为一个带有特殊意义的符号，象征着他的妻子和索宾斯基中尉的见面暗号而对于他来说就是别人对他的表演没有兴趣的暗示。还有一些令人捧腹的台词，例如扮演希特勒的布朗斯基说的：“我自己万岁”这就是一个嘲讽，而且是戏中戏的嘲讽，这是他们拍戏时候的台词，但也同样是刘别谦对于希特勒的嘲讽。还有，布朗斯基在华沙街头，当那个小女孩对他说：“可以给我签个名吗？布朗斯基”，又造成了一种喜剧效果，原因是他一眼就被人认出来了。再比如艾哈特对假扮希利特斯基的约瑟夫说：“他对莎士比亚所做的事情就是我们现在要对波兰做的”，这句话说出口艾哈特上校不知道为什么好笑，但是观众知道，约瑟夫最引以为傲的就是他在莎翁戏剧中的表演，但却被人评价成他在毁莎翁的戏剧，他顿时僵硬的表情让观众忍俊不禁。这整部电影就是以台词取胜，很多幽默的笑料都是台词表达的，试想如果这是一部默片，那么，估计很多地方观众看都不太明白，更不要说笑了。从无声片中需要观众自己揣测剧情到后来的利用对白推动发展剧情人物，声音在电影的地位在逐渐提升。
        其次，要说的是这部片的旁白。例如本片一开始的旁白，这里的旁白是属于客观式的旁白。一开场就是第三者对于画面表现的叙述，描述街道、场景、人物的表情动作以及心理，观众不是很明白，但是随着剧情的发展，后来的再一次解释了开头出现的那段场景。这个旁白的作用主要是在叙事上，就像别人在讲故事一样，有一点小悬念，先说故事的后面，在调过头来讲之所以会出现开头一幕的原因，用旁白的方式倒叙一件事情，引起观众的兴趣。最初电影院中的现场解说可有可无，但是，现在的旁白已经承担着重要的叙事等方面的作用，声音地位的发展可见一斑。
        在本片中，音乐的运用也是一个亮点。首先要提到的就是在在华沙被德国纳粹占领以后，画面上贴出了一张张的告示，伴随告示出现的是一段严肃而残酷的音乐，再配上死刑等告示内容，和刮风下雨的天气，展现的就是纳粹占领下的华沙人民正遭受着屠杀和蹂躏。同样的，格林伯格在雪地里拿着铁锹念着夏洛克的台词的时候，也伴随着凄惨的音乐，台词本就凄凉，再配以音乐敲击人心，也表现出华沙人民的水深火热。波兰空军在一起唱歌这段，是影片对于有声源音乐的运用，高亢激昂的歌声体现的是年轻军人们对于保家卫国的激情以及在战争下保持的一种幽默欢快的状态。在索宾斯基中尉跳伞那段，音乐紧张而又有节奏，索宾斯基是逃，纳粹是追，双方即将碰头的时候，音乐立马紧张起来，等到索宾斯基逃过纳粹追捕，音乐又趋于平缓，好像是一个人在长时间憋气以后终于可以呼吸的时候表现出的那种霎时间的放松和舒畅。全片音乐最引人注意的应该就是约瑟夫发现索宾斯基睡在自家床上的那场戏。音乐声从约瑟夫发现凳子那条男人的裤子时开始想起，一开始音乐透露出一丝疑惑，紧接着，约瑟夫走向床边，音乐透露出小心翼翼和探寻，知道打开灯，看到床上躺着的男人，音乐声变为震惊，约瑟夫快速的把头贴近床上男人再直起身，音乐也随他的动作快慢在进行着高低抑扬的变化，配合的是约瑟夫对于眼前这个人的探寻和怀疑的目光，直到他认出索宾斯基就是那个两次在他表演时中途离开的人，音乐戛然而止。整个音乐都是配合着约瑟夫的心理变化来进行的，音乐就好像是约瑟夫外化的情绪一样，直白地表露在观众的眼前。还有演员们在剧场里搜捕希利特斯基时运用的音乐，也是制造了一种紧张的气氛。
        最后，是音响在本片中的运用。一处是假的希特勒要离开剧场，带领一队真的纳粹军官往外走，整齐划一的步伐，踏着有节奏的脚步，跟随着向前走。本是严肃整齐的军队，但是领头的却是假的首领，着铿锵整齐的脚步声就显得很荒唐，因为他们严密保护的对象居然是个冒牌货，军官们自己不知道，但是观众看起来就会觉得很滑稽也很讽刺。另一处就是在约瑟夫的家里，艾哈特上校准备侵犯杜拉夫人的时候，假的希特勒又冲进来了，杜拉夫人随他离开，房门关上，我们听到了一把枪声，艾哈特自杀了，这声枪响表面上只是说明这一点，其实还包含别的含义。比如说，艾哈特他很畏惧希特勒，因此，在得知自己得罪了元首的时候，选择了自裁，他自我感觉很悲壮，但在观众眼中就显得很荒诞搞笑。这枪声其实既是叙事也是在传达隐喻的含义，达到一种讽刺的效果。
        从早期的默片开始，声音就已经在运用当中，但是，声音在电影中的地位是一直在提高的，这取决于它起什么作用，是主动起作用还是被动地发挥作用，并且这作用到底有多大。最早的默片用的都是贝多芬等人的现成的音乐，这音乐根本没有什么作用，有也可，无也可。后来为影片专门配一些伴奏乐曲，这作用最多也就是打破一下影院中沉闷的气氛，于影片来说，就是让情节紧凑一点。这些音乐都是被动地在起作用。再后来，有声片诞生，对白的运用才真正是把声音变为一种主动起作用，配合画面进行叙事和艺术表现的工具。通过对人声、音乐和音响的有机调动，使其同画面形成一种相辅相成的关系，把视觉和听觉紧密地结合在一起，利用双向的渗透作用，达到对艺术的最大最优的表现。通过以上对这部影片的分析，已经可以看到声音在一步步的发展中成为了一个不可或缺的重要因素，而一代又一代的导演还在继续发展声音技术的应用，以期发挥其更大的作用。

       在我心中，最会说故事的人是卡普拉和刘别谦。不可否认，伯格曼很大师，在《野草莓》里通过自己娴熟深邃的电影语法将一个老者心中的微妙情绪刻画的真切露骨；不可否认基耶斯洛夫斯基非常的了不起，蓝白红三部曲，两生花中隐隐透出的一种从容和淡定，让很多人迷恋他电影中的影像和其中包含的哲思；不可否认斯皮尔伯格很厉害，他可以双手玩转商业和艺术，可以在赚的盆满钵们的同时用良心打动学院派，得到梦寐以求的小金人。
       但是，有一种电影很奇妙，从影像播放的第一秒开始，你就会不自觉的迷陷在其营造的奇妙氛围之中，以至于直到影片结束，你都不会过多的去思考影片的艺术表达之类的无味问题。卡普拉和刘别谦的电影就有这样子的魅力，他会让你在最短的时间内融入电影之中，并且每分每秒的跟着电影的情绪在走，没有一秒的冷场，没有一刻的乏味。就好像是走进仙境的爱丽丝一样，无时无刻不在感受着奇妙和变幻。如今《你逃我也逃》应该可以算是刘别谦的第一代表作，虽然《街角的商店》《天堂的烦恼》一样非常出色，但是相比于《你逃我也逃》而言，他们并没有让人在观影的过程中不住的拍掌叫好或是无法形容的激动。《你逃我也逃》在当时上映时并不受待见，有人指责其低俗和无趣，然而经过了几十年时间的洗礼和大浪淘沙，《你逃我也逃》越发的彰显出其无语伦比的特质。
       影片的故事发生在二战时的沙特，德国的进军让百姓人心惶惶。一个剧院的演员意外的发现了德国间谍的行动，于此为了国家的利益他们和纳粹进行了一场滑稽有趣的较量。老实说，对于这部影片的剧情说的越少越好，然而事实上你也很难从一个角度去叙述这部电影，或者这么说，我根本没有能力去复述好这个故事。脑子里塞满了的是对刘别谦完美指导，演员完美群戏，编剧完美剧本，影片之中透出的幽默，聪明，机智和嘲讽的赞叹。然而也正是刘别谦指导下演员的出色以及影片精彩的剧情和台词让这样一部喜剧展现出了不一样的层次。单单演员的表演，影迷就有足够的理由珍藏这部影片，从影片最开始剧院的排练，到之后真正的为了国家利益为了生死存亡的表演，每一个演员都赋予了角色最鲜活的个性。无论是戏中戏，还是惟妙惟肖的模仿，亦或是时不时的吐出令人冷峻不惊的台词都让人深深的陶醉和沉迷。
        影片的剧本更是非常的讨巧，这样一个沉重的背景却用以表达一个如此充满了隐喻和讽刺的喜剧，在产生巨大反差的同时也增添了讽刺的意味。而这一切的优势都掌握在刘别谦的手里，他将其组合拼装出一部充满了滑稽桥段，精彩台词，夺目群戏的喜剧，而最重要的是，影片结束之后，你不仅仅会回味那无比美妙的观影经历更会直观的感受到导演对战争对纳粹对希特勒的嘲讽和批判。影片没有血淋淋的场面，没有负伤士兵饱含辛酸的目光，却在大段大段喜剧之间隐隐的出现一些令人沉默的场景。这或许就是刘别谦的选择，以喜剧的方式表达战争，用一颗热忱的心讲述着故事，而这种热忱会让人感到喜剧之下隐含的嘲笑和愤怒。这或许就是喜剧的最高境界，欢笑之后留给人的不仅仅是充满了快感的回忆，还有一种坚定的信念，一种执着的价值观念。
       刘别谦的电影很典型，很有刘别谦的风格，无论是这部《你逃我也逃》还是《街角的商店》亦或是他的其他电影，他们都在告诉我们同一个事实，这个导演很会说故事。刘别谦的电影不艰涩，不隐晦，而是用台词很直白的展示给我们看，什么叫做妙笔生花；用演员告诉我们什么才叫黄金时代；用自己本尊告诉我们什么才是电影大师，不是那喃喃自语不是不可亲近，而是让观众很本能的爱得死心塌地。就像特吕弗说的一样，刘别谦是一位真正的王子。纵使现代电影技术再怎么进步，事实是近十几年来，没有几部电影可以和刘别谦的，卡普拉的喜剧相提并论，绝对一点说，是没有一部。是的，电影是需要不断发展的，但好的电影的基本需要是不会变的，表演，剧本，指导，这些不是随随便便或是满心敷衍就可以磨得出来的，可惜的是现在很多的电影并不在乎也不想在乎。